Ich lernte Curtis Fields 2007 bei seiner Retrospektive in der Caldwell Snyder Gallery in San Francisco kennen. Was auffiel, war nicht der Umfang der Ausstellung, sondern die Präzision seiner Präsenz darin. Er bewegte sich nicht so sehr durch den Raum, als dass er seine Position darin hielt. Nichts an ihm wirkte distanziert. Er beobachtete genau, wie die Betrachter sich den Werken näherten, wo sie innehielten, wie lange sie blieben. Es gab eine ruhige Aufmerksamkeit in ihm, ein Künstler, der ein Leben lang geschaut hatte und immer noch voll in diesen Akt involviert war.
Farbe als Struktur, nicht als Oberfläche
Fields' Gemälde werden oft als Farbfeldwerke beschrieben, aber diese Bezeichnung erklärt nur ansatzweise, was wirklich passiert. Seine Farbe ist satt und lebendig, voll engagiert, niemals zögerlich. Aber es ist keine Farbe um ihrer selbst willen.
Fields' Ansatz zur Farbe wurde teilweise durch seine Zeit in Frankreich geprägt, wo er auf das Werk von Pierre Bonnard traf, einem Künstler, dessen Verwendung von Farbe als Atmosphäre statt als Beschreibung einen bleibenden Eindruck auf seine Praxis hinterließ.
Seine Verwendung von Farbe ist nicht dekorativ. Sie ist strukturell. Sie hält die Komposition zusammen, erzeugt Spannung und trägt das emotionale Gewicht des Werkes. Die Lebendigkeit entsteht durch Beziehungen, jeder Farbton steht in direkter Konversation mit dem, was ihn umgibt.
Wenn man vor seinen Werken steht, bemerkt man, wie zurückhaltend sie trotz dieser Fülle sind. Die Palette ist oft begrenzt, aber innerhalb dieser Begrenzung gibt es eine unglaubliche Sensibilität. Kanten werden weicher. Ebenen verschieben sich. Farbbeziehungen übernehmen die Arbeit, die Linie oder Geste in der Praxis eines anderen Künstlers leisten könnten.
Es hatte etwas Besonderes, einen Künstler seines Alters und seiner Schaffenskraft sein eigenes Werk betrachten zu sehen. Nicht mit Nostalgie. Sondern mit derselben aktiven Aufmerksamkeit, die er auch beim Schaffen aufgebracht haben muss.
Zeitgenössische Landschaften ohne Beschreibung
Am meisten beeindruckte mich, wie seine Gemälde irgendwo zwischen Abstraktion und Landschaft angesiedelt sind. Sie beschreiben keinen Ort, aber sie evozieren einen. Eine Horizontlinie könnte angedeutet sein. Eine Farbverschiebung könnte Entfernung, Atmosphäre oder Tageszeit andeuten.
Dies sind Landschaften ohne Darstellung, Räume, die man fühlt, anstatt sie zu erkennen.
Es liegt eine Art Stille in ihnen. Nicht leer, aber gehalten. Als ob das Gemälde Sie auffordert, langsam genug zu werden, um Farbe tatsächlich zu sehen, nicht als Accessoire, sondern als das Thema selbst.
Das Buch vs. das Gemälde
Ich besitze sein Buch und greife oft darauf zurück. Es ist zutiefst inspirierend. Es hat etwas Starkes, dieses Werk in den Händen halten zu können, die Beziehungen zu studieren, sich mit den Kompositionen auseinanderzusetzen, sie zu gegebener Zeit wieder aufzugreifen.
Im Laufe der Jahre habe ich es mit Studenten geteilt, als Referenzpunkt dafür, wie Farblogik auch außerhalb des Ateliers studiert werden kann.
Aber der Druck ist nicht dasselbe wie das Original.
Die Energie verschiebt sich. Der Maßstab bricht zusammen. Die subtilen Übergänge glätten sich leicht. Und doch spürt man selbst in der Reproduktion die Intelligenz hinter der Farbe. Es ist, als würde man ein Stück Farbtheorie in Händen halten, das durch die Praxis vollständig verwirklicht wurde.
Das ist es für mich, was sein Werk so dauerhaft macht.
Was mir in Erinnerung blieb
Die Begegnung mit Fields fühlte sich nicht an, als würde man einer fernen Figur der Kunstgeschichte begegnen. Es fühlte sich geerdet, menschlich an. Er spielte nicht die Rolle des "Künstlers". Er war einfach jemand, der ein Leben lang Farbe betrachtet hatte, wirklich betrachtet, und ihr so weit wie möglich gefolgt war.
Und das ist es, was mir in Erinnerung geblieben ist.
Nicht nur die Gemälde, sondern die Erlaubnis, die sie bieten:
Zurückhaltung zu vertrauen.
Farbe Bedeutung tragen zu lassen.
Eine Welt aus Beziehungen statt aus Repräsentation zu bauen.
Wenn Sie im Bereich der Abstraktion arbeiten oder sich ihr nähern, erinnert Fields' Werk daran, dass Sie nicht mehr Elemente brauchen. Sie brauchen tiefere Aufmerksamkeit.
Dieser gleiche Impuls, Landschaft durch Farbe und Struktur zu evozieren, anstatt sie abzubilden, zieht sich durch meine eigene Küstenarbeit. Wenn Sie neugierig sind, wie sich das in geometrische Formen übersetzt, erklärt Geometrische Küstenkunst: Küstenlandschaften in abstrakte Gemälde übersetzen die Denkweise hinter diesem Werkkorpus.
Über Curtis Fields
Curtis Fields absolvierte 1942 die Yale School of Art mit Auszeichnung, zu einem Zeitpunkt, als die amerikanische Abstraktion noch ihre Richtung suchte. Sein Weg zur Farbfeldmalerei war selbstgesteuert, aufgebaut durch Jahrzehnte genauer Beobachtung und ein tiefes Engagement für Farbe als Struktur statt als Oberfläche.
Seine Gemälde bewegen sich am Rande von Abstraktion und Landschaft und evozieren Orte durch Farbbeziehungen statt durch Darstellung. Das Werk ist gleichzeitig zurückhaltend und lebendig, eine Balance, die ein Leben lang erarbeitet werden muss.
Fields' Verbindung zu New Haven, einer Stadt, die später durch Josef Albers' Tätigkeit in Yale zu einem Zentrum der amerikanischen Farblehre werden sollte, wirkt wie eine stille Fußnote zu einer größeren Geschichte. Er war schon dort, schaute schon, bevor diese Art des Lehrens aufkam.
Künstlerserie
Dieser Beitrag ist Teil einer fortlaufenden Reihe über Künstler, die meine Praxis geprägt haben. Jeder Beitrag beleuchtet eine andere Persönlichkeit, deren Werk, Ideen oder kreative Philosophie einen Eindruck auf meine Denkweise über Malerei hinterlassen hat. Aktuelle Beiträge in dieser Reihe sind:
- Hilma af Klint und die Ursprünge der abstrakten Kunst
- Bruno Lucchesi: Ein Atelierbesuch und die figurative Tradition
- Richard Diebenkorn: Notizen an mich selbst und den kreativen Prozess
- Raimonds Staprans: Sättigung der Farbe, Präsenz und nachhaltige Wirkung
Alle Beiträge der Künstlerserie durchsuchen.
